Los miserables es una película británica para la televisión del año 1978 basada en la famosa novela de Víctor Hugo "Les Misérables". Esta protagonizada por Richard Jordan y Anthony Perkins.
Sinopsis
Los miserables narra la historia de Jean Valjean quien es enviado a prisión por robar pan para su familia, al salir sólo un obispo se compadece de él y lo trata con caridad pero Valjean necesitado de dinero le roba unos cubiertos de plata, cuando es capturado y llevado frente al obispo este declara que se los regaló y conmovido por esta acción, Valjean decide ayudar a los demás convirtiéndose en el alcalde de un pueblo, sin embargo será perseguido constantemente por el inspector Javert quien lo busca por el robo que cometió hace años.
Les Misérables es una adaptación cinematográfica hecha en 1978 para la televisión británica de la novela de 1862 del mismo nombre de Victor Hugo . La película fue escrita por John Gay , producida por Lew Grade , y dirigida por Glenn Jordan (sin relación con la estrella de Richard Jordan). La película se emitió originalmente en la televisión estadounidense en CBS el 27 de diciembre de 1978.
La trama sigue el esquema general de la novela del mismo nombre , omitiendo muchos detalles y algunos episodios completos. La narración es estrictamente cronológica y evita las digresiones necesarias para reflejar la estructura de la novela. Muchos de los personajes secundarios de la novela no aparecen o se combinan. Por ejemplo, el papel de los Thénardiers se reduce a una escena en la que Valjean rescata a Cosette de ellos.
La película comienza con el robo de Jean Valjean y luego permanece en la prisión de Toulon, donde se detalla su maltrato bajo la mirada de Javert, que es testigo de la sorprendente hazaña de fuerza de Valjean al rescatar a un hombre aplastado bajo una roca. Valjean escapa al salvar a otro convicto que se había caído mientras reparaba algunas almenas. Luchando por sobrevivir, se encuentra con un bondadoso Obispo, que lo alimenta y lo refugia. Él roba platos de plata del Obispo. Cuando Valjean es arrestado y llevado de vuelta al Obispo, el Obispo pretende que las piezas de plata fueron un regalo, despide a la policía y le da a Valjean dos candelabros de plata además de los que originalmente había robado. Valjean está vencido. El Obispo le dice que ha comprado su alma para Dios y que su vida ahora será diferente.
Valjean se convierte en un hombre de negocios próspero utilizando técnicas para la fabricación de cuentas negras que aprendió en Toulon y se convierte en alcalde de su ciudad bajo el nombre de Madeleine. Javert llega para servir como jefe de la policía local. Él piensa que reconoce a Madeleine y señala su uso del método de fabricación de Toulon. Madeleine rescata al mendigo Fantine, quien relata su historia en unas pocas frases, cuando Javert está a punto de castigarla, y Javert atestigua que Madeleine rescató a un hombre atrapado debajo de un carro, otra asombrosa hazaña de fuerza. Javert denuncia a Madeleine a sus superiores, pero antes de que puedan confirmar que Madeleine es en realidad Valjean, otro hombre es arrestado y acusado en Arras de ser el convicto escapado Valjean. Javert confiesa sus acciones a Madeleine y pide ser despedido de su puesto.
Valjean regresa a su pueblo e intenta ayudar al moribundo Fantine mientras espera el arresto. Aprende cómo los Thénardiers están cuidando a su hija Cosette. Javert insiste en arrestarlo, Fantine muere y Valjean se escapa. Él rescata a Cosette de los Thénardiers y le da una muñeca. Al vivir en París con Cosette, Valjean se escapa de Javert, que está dirigiendo las búsquedas policiales en el distrito donde vive, escalando una pared, aterrizando en el jardín de un convento de París. El jardinero es el hombre a quien rescató de ser aplastado bajo un carro, quien acepta fingir que él y Valjean son hermanos y lo recomienda a las monjas como jardinero. Cosette asiste a la escuela del convento. Cuando completa su educación y se ha convertido en una mujer joven, Valjean decide que deben abandonar las instalaciones del convento enclaustradas para poder experimentar el mundo.
Valjean y Cosette están paseando en un jardín público y hacen una pausa para escuchar a los radicales denunciar al gobierno. Cosette y Marius, uno del grupo radical aunque no es un orador, se ven y sus ojos se cierran. Marius le paga al erizo Gavroche para que los siga y le informe su dirección. Marius pronto se casa con Cosette a través de la puerta de entrada a su casa. Valjean ve esto y anuncia abruptamente a Cosette que deben irse a Inglaterra. Cuando Marius descubre esto, visita a su abuelo, Gillenormand, quien detesta sus actividades radicales, para pedir dinero. En cambio, su abuelo le sugiere que haga que la mujer que quiere casarse con su amante y Marius, rechazado por la sugerencia, se vaya.
Los radicales han creado una barricada e intercambian disparos con los militares. Gavroche identifica a un hombre en el lado radical de la barricada como el infiltrado secreto de la policía, Javert. Enjolras arresta a Javert y promete dispararle si la barricada cae en manos de las fuerzas del gobierno. Marius envía a Gavroche un mensaje para Cosette, que lee Valjean. Valjean va a la barricada e intenta convencer a Marius para que abandone a los radicales. Gavroche es disparado por los soldados y muere. Valjean le pide a Enjolras el privilegio de matar a Javert, que Enjolras le concede. Valjean lo libera, repitiendo las palabras del Obispo de que su alma alguna vez fue comprada para Dios. Cuando Marius es herido, Valjean escapa llevando su cuerpo inerte por las alcantarillas. Javert lo persigue allí y lo confronta sobre su encuentro anterior. Javert se prepara para matar a Valjean pero de repente desaparece en la oscuridad de las alcantarillas. Se suicida saltando al Sena. La película termina con la boda de Cosette y Marius, a la que asisten solo Valjean y Gillenormand.
La Batalla de Argel (La Battaglia di Algeri) es una película italo-argelina de 1966 que trata de la guerra de Independencia de Argelia. Fue dirigida por Gillo Pontecorvo, que también participó en el guion y en la música (en este último aspecto, aconsejado por el maestro Ennio Morricone). Los personajes principales fueron representados por Brahim Hadjadj, Jean Martin y Yacef Saadi.
La película sería galardonada con importantes premios cinematográficos internacionales,1 a pesar de contar con diversas polémicas para la época.
Argumento
Ali La Pointe (Brahim Hadjadj) es un ladronzuelo analfabeto con un largo historial delictivo, que malvive en las calles de Argel como trilero. Tras ser detenido, en uno de sus ingresos a prisión contempla desde la ventana de su celda la ejecución de un preso vinculado al nacionalismo argelino. Este hecho le hace tomar conciencia de la opresión colonial francesa sobre Argelia, y decide enrolarse tras su fuga, en el Frente de Liberación Nacional, para terminar siendo, al final de la película, uno de sus responsables máximos.
La trama comienza por el final, situando la acción en el 7 de octubre de 1957, desde donde se inicia una larga analepsis que refleja la toma de conciencia del personaje principal y su implicación en el movimiento nacionalista argelino.
Reparto
Brahim Haggiag - Ali la Pointe
Jean Martin - Coronel Mathieu
Yacef Saadi - Djafar, líder del FLN
Latafi Ahmed - Pequeño Omar
Larbi Zekkal - Combatiente del FLN
Samia Kerbash - Combatiente del FLN
Ugo Paletti - Capitán de paracaidistas franceses
Fusia El Kader - Halima, combatiente del FLN
Comentarios
La idea de filmar esta película nació de un proyecto del primer gobierno independiente de Argelia, dirigido por Ahmed Ben Bella, que fue propuesto a directores italianos de cine social.
La primera idea partió del futbolista retirado, y antiguo dirigente del FLN, Yacef Saadi. En 1964, el gobierno de Argelia encargó a Saadi buscar a un director italiano que rodase la que sería la primera película de ficción argelina.
El resultado fue una de las mejores películas realizadas sobre colonialismo, terrorismo y movimientos revolucionarios. Aunque está rodada a la manera de un documental, la acción no pierde ritmo en ningún momento de la película.
La película cuenta con una excelente fotografía en blanco y negro, en la que destacan las tomas de los rostros.
Premios
Premio FIPRESCI 1966 (Gillo Pontecorvo)
Premio León de Oro 1966 (Gillo Pontecorvo)
Premio Nastro d'argento 1967: a la mejor fotografía en B/N, al mejor productor y al mejor director.
Premio Kinema Jumpo 1968: a la mejor película en idioma extranjero.
Premio BAFTA Naciones Unidas 1972
Miscelánea
Uno de los actores principales, Yacef Saadi, caracterizado en la película como Saadi Kader, fue uno de los fundadores del FLN argelino y participó en los hechos que se describen en la película
Su exhibición en Francia fue vetada hasta 19713 e incluso el general Massu (encarnado en la película en el personaje del Coronel Mathieu) escribió un libro homónimo a la película en el que definía los métodos de tortura usados por el ejército francés en Argelia como una crueldad necesaria:
No me asusta la palabra tortura, pero pienso que en la mayoría de los casos los militares franceses se vieron obligados a utilizarla para vencer al terrorismo allí, afortunadamente, nuestros métodos fueron infantiles comparados con los que practicaron los rebeldes. La situación nos llevó a cierta ferocidad, es cierto, pero permanecimos dentro de la ley del ojo por ojo, diente por diente.
Las escenas de torturas fueron censuradas en Estados Unidos y el Reino Unido. En España no fue exhibida hasta mucho después de la muerte de Franco.
Según recientes informaciones el film ha sido utilizado por el Departamento de Defensa de EE. UU. para ilustrar la formación de las tropas destinadas a Irak.
Posibles remakes
El productor estadounidense Basil Iwanyk ha propuesto recientemente realizar un remake de la película incluyendo un personaje estadounidense en la misma, como periodista o como funcionario de las Naciones Unidas. La idea de realizar un 'remake' no parece haber sido bien acogida por los admiradores de la película original, que tienen miedo de que el argumento se ampute para quedar de acuerdo a los cánones del cine estadounidense. Como prueba de ello, utilizan como argumento los actores que se han barajado para el remake: Tom Cruise, Brad Pitt, Leonardo DiCaprio y Sean Penn.
El gran dictador es una película estadounidense de 1940 escrita, dirigida y protagonizada por el británico Charles Chaplin. Chaplin era el único cineasta en Hollywood que seguía realizando películas mudas cuando el sonido ya estaba plenamente implantado en el cine, y esta fue su primera película sonora.
La película es una feroz y controvertida condena contra el nazismo, el fascismo, el antisemitismo y las dictaduras en general. En el momento de su estreno, Estados Unidos todavía no había entrado en guerra con la Alemania nazi. Chaplin desempeña ambos papeles principales: un despiadado dictador fascista, y un barbero judío perseguido.
El gran dictador fue popular entre el público, convirtiéndose en la película más comercialmente exitosa de Chaplin.4 Los críticos modernos también lo han elogiado como una película históricamente significativa y una importante obra de sátira. También se notó que el barbero judío guarda muchas similitudes con el personaje más famoso de Chaplin, el vagabundo Charlot. Aunque no se especifica si se trata de él o no, generalmente se considera que en esta película se produce la última aparición de Charlot. El largometraje recibió cinco nominaciones en la 13.ª edición de los Premios Óscar, sin embargo no ganó ninguno.
En su autobiografía de 1964, Chaplin declaró que no podría haber hecho la película si hubiera sabido sobre la verdadera extensión de los horrores de los campos de concentración nazis en ese momento.5
Hay polémica sobre si esta producción sería la última película en la que Charles Chaplin interpreta a su clásico personaje de Charlot el vagabundo, y de ser así sería en la que éste habla por primera vez; aunque en Tiempos modernos ya se había escuchado su voz cantando.
Un dato curioso de esta película es que si bien fue grabada en blanco y negro, el tráiler fue grabado a colores.
Argumento
Durante una batalla que tuvo lugar en los últimos meses de la Primera Guerra Mundial, un soldado judío del ejército de la nación ficticia de Tomania y barbero de profesión (Charles Chaplin) salva la vida del oficial Schultz (Reginald Gardiner) ayudándole a escapar en su avión, pero sufren un accidente y el avión se estrella. Ambos sobreviven, pero el soldado pierde la memoria. En ese momento llegan unos médicos que anuncian a Schultz que la guerra ha terminado y Tomania ha perdido.
Veinte años después, y todavía amnésico, el soldado escapa del hospital en el que ha permanecido todo ese tiempo y regresa a su ciudad, donde abre de nuevo su antigua barbería ubicada en el gueto, ignorando que los tiempos han cambiado. El país es gobernado por el despiadado dictador Adenoid Hynkel (Charles Chaplin), asistido por el Ministro del Interior Garbitsch (Henry Daniell, parodia de Joseph Goebbels) y el Ministro de la Guerra Herring (Billy Gilbert, parodia de Hermann Göring), y existe una brutal discriminación contra los judíos. El símbolo del régimen de Hynkel es la «doble cruz» (parodia de la esvástica nazi), y Hynkel pronuncia sus discursos en un idioma macarrónico, imitación del alemán.
El barbero, inconsciente del ascenso de Hynkel al poder, se sorprende cuando las fuerzas de asalto pintan la palabra «judío» en las ventanas de su local. Una de los habitantes del gueto, la bella Hannah (Paulette Goddard), defiende al barbero cuando es acosado por los miembros de las fuerzas de seguridad. Ambos se enamoran y deben sufrir los atropellos de la dictadura, aunque Schultz, que ahora ocupa un alto cargo en el gobierno de Hynkel, reconoce al barbero y ordena a las tropas que no molesten a los habitantes del gueto. Además, Hynkel ordena el cese de la persecución a los judíos mientras intenta conseguir un préstamo de un banquero judío para financiar sus planes de dominación global.
Hynkel tiene planeado invadir Osterlich, el país vecino, y necesita el préstamo para financiar la invasión. Cuando el banquero judío se niega a dar el préstamo, Hynkel reanuda e intensifica la violencia contra los judíos. Schultz, protector de los judíos, muestra su rechazo al pogromo y Hynkel, considerándolo un traidor y un defensor de la democracia, ordena que sea enviado a un campo de concentración. Schultz huye y se oculta en el gueto. Allí, con la ayuda del barbero, Hannah y los demás habitantes del gueto, busca cómo derrocar a Hynkel y su régimen. Las fuerzas de asalto atacan el gueto y el barbero y Schultz son finalmente enviados al campo de concentración.
Hynkel continúa con sus planes de invadir Osterlich, pero la intromisión de Benzino Napaloni (Jack Oakie, parodia de Benito Mussolini), el dictador de Bacteria, le obliga a invitarle a hacerle una visita y ser diplomático con él, aunque todo desemboca en una ridícula guerra de comida y pasteles entre los dos dictadores. Mientras, Hannah y los habitantes del gueto huyen hacia Osterlich, pero al poco se inicia la invasión desde Tomania y se encuentran de nuevo viviendo bajo el régimen de Hynkel.
El barbero y Schultz escapan del campo disfrazados con uniformes de Tomania. Los guardias fronterizos confunden al barbero con Hynkel, con quien tiene una apariencia casi idéntica. Mientras, Hynkel es confundido con el barbero y detenido por error por sus propias tropas. El barbero, bajo la identidad de Hynkel, es conducido a la capital de Osterlich para dar un discurso sobre el inicio de la conquista del mundo. Garbitsch, al presentar a «Hynkel» a la multitud, decreta la anexión de Osterlich a Tomania, la anulación de la libertad de expresión y el sometimiento de los judíos. Sin embargo, el barbero hace un discurso conmovedor, en contra de las políticas antisemitas de Hynkel y declarando que Tomania y Osterlich se convertirán en naciones libres y democráticas. También hace una llamada a la humanidad en general para acabar con las dictaduras y usar la ciencia y el progreso para hacer del mundo un lugar mejor.
Hannah, en su casa arrasada de nuevo por los invasores, oye el discurso del barbero en la radio, y se sorprende cuando «Hynkel» se refiere directamente a ella:
Hannah, ¿puedes oírme? Donde quiera que estés, ¡mira a lo alto, Hannah! ¡Las nubes se alejan, el sol está apareciendo, vamos saliendo de la tinieblas hacia la luz, caminamos hacia un mundo nuevo, un mundo de bondad, en el que los hombres se elevarán por encima del odio, de la ambición, de la brutalidad! ¡Mira a lo alto, Hannah, al alma del hombre le han sido dadas alas y al fin está empezando a volar, está volando hacia el arco iris, hacia la luz de la esperanza, hacia el futuro, un glorioso futuro, que te pertenece a ti, a mí, a todos! ¡Mira a lo alto, Hannah, mira a lo alto!
Hannah dirige la mirada al cielo con esperanza, y sobre su rostro se cierra la pantalla.
Reparto
Charles Chaplin - El barbero judío/Adenoid Hynkel, dictador de Tomania
Paulette Goddard - Hannah
Jack Oakie - Benzino Napaloni, dictador de Bacteria
Reginald Gardiner - Schultz
Henry Daniell - Garbitsch
Billy Gilbert - Herring
Maurice Moscovich - Señor Jaeckel
Emma Dunn - Señora Jaeckel
Bernard Gorcey - Señor Mann
Los principales personajes políticos hacen referencia a:
Adenoid Hynkel: Adolf Hitler
Benzino Napolini: Benito Mussolini
Garbitsch: Joseph Goebbels
Herring: Hermann Göring
Producción
De acuerdo con la biografía de Jürgen Trimborn sobre la cineasta de propaganda nazi Leni Riefenstahl, tanto Chaplin como el cineasta francés René Clair vieron El triunfo de la voluntad de Riefenstahl juntos en una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El cineasta español Luis Buñuel informó que Clair estaba horrorizado por el poder de la película, clamando que nunca debería ser mostrada en el Occidente o el Occidente perdería la guerra. Chaplin, por otra parte, se rió alucinantemente ante la película. Chaplin eventualmente la usó para inspirar muchos elementos de El gran dictador, y al ver repetidamente esta película, Chaplin pudo imitar de cerca los manierismos de Hitler. Trimborn sugiere que Chaplin decidió proceder con hacer El gran dictador después de ver la película de Riefenstahl.7 El discurso de Hynkel al comienzo de la película, pronunciado en un lenguaje sin sentido que suena alemán, es una caricatura del estilo oratorio de Hitler, que Chaplin también estudió cuidadosamente en las secuencias de noticias.
Chaplin quería hacer frente a la escalada de la violencia y la represión de los judíos por parte de los nazis a finales de la década de 1930, cuya magnitud le fue transmitida personalmente por sus amigos judíos europeos y sus compañeros artistas. La naturaleza represiva del Tercer Reich y las tendencias militaristas eran bien conocidas en ese momento. La película de Ernst Lubitsch de 1942 Ser o no ser trató. con temas similares, y también utilizó la figura de alguien siendo confundido con Hitler. Chaplin dijo más tarde que él no habría hecho la película de haber sabido de la verdadera extensión de los crímenes de los nazis.4 Después de que se conociera el horror del Holocausto, los cineastas lucharon durante casi 20 años para encontrar el ángulo correcto y el tono para satirizar la era.
En el período en que Hitler y su partido nazi subieron a la prominencia, Chaplin se estaba haciendo internacionalmente popular. Fue acosado por los fans en un viaje de 1931 a Berlín, lo que molestó a los nazis. Resentidos por su estilo de la comedia, publicaron un libro titulado Juden Sehen Dich An («Los judíos te están mirando», 1934), describiendo al comediante como «un repugnante acróbata judío» (aunque Chaplin no era judío). Ivor Montagu, amigo cercano de Chaplin, relata que envió al cómico una copia del libro y siempre creyó que Chaplin decidió tomar represalias con El gran dictador.
En la década de 1930 dibujantes y comediantes a menudo retrataban a Hitler y Chaplin con bigotes similares. Chaplin también capitalizó en este parecido para darle a su personaje de vagabundo un «respiro».
En sus memorias, My Father, Charlie Chaplin, el hijo de Chaplin, Charles Chaplin Jr., describió a su padre como un ser perseguido por las similitudes de fondo entre él y Hitler; nacieron cuatro días aparte en abril de 1889, y ambos habían subido de la pobreza. Escribió:
Sus destinos eran polos aparte. Uno de ellos era hacer llorar a millones, mientras que el del otro era hacer reír al mundo entero. Papá nunca podía pensar en Hitler sin un estremecimiento, mitad de horror, mitad de fascinación. «Piensa», decía con inquietud, «él es el loco, yo soy el cómico, pero podría haber sido al revés».
Chaplin preparó la historia a lo largo de 1938 y 1939, y comenzó a rodar en septiembre de 1939, una semana después del comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Terminó de rodar casi seis meses después. El documental televisivo de 2002 sobre la realización de la película, The Tramp and the Dictator, coproducido internacionalmente por 4 compañías de producción incluyendo la BBC, Turner Classic Movies, y la Spiegel TV alemana presentó nuevas imágenes de la producción cinematográfica (filmada por el hermano de Chaplin, Sydney), que mostró los intentos iniciales de Chaplin de filmar el final de la película, filmado antes de la caída de Francia.
Según The Tramp and the Dictator, Chaplin arregló enviar la película a Hitler, y un testigo presencial confirmó que él la vio.4 El arquitecto y amigo de Hitler, Albert Speer, negó que Hitler la hubiera visto.13 La respuesta de Hitler a la película nunca fue registrada, pero otra cuenta afirma que vio la película dos veces.14
Algunas de las señales en los escaparates del gueto de la película están escritas en esperanto, una lengua que Hitler condenó como un complot judío para internacionalizar y destruir la cultura alemana, tal vez porque su fundador, L. L. Zamenhof, era un judío polaco.15
Recepción
La película de Chaplin fue lanzada nueve meses después de la primera parodia de Hollywood de Hitler, el cortometraje You Nazty Spy! de Los Tres Chiflados, que se estrenó en enero de 1940.16
"El gran dictador" fue bien recibida en los Estados Unidos en el momento de su lanzamiento, y fue popular entre el público estadounidense. También fue popular en el Reino Unido, atrayendo 9 millones a los cines,17 a pesar de los temores de Chaplin que las audiencias del tiempo de guerra no desearían una comedia sobre un dictador. Fue la segunda película más popular en los Estados Unidos en 1941.18
A su vez, fue prohibida en varios países latinoamericanos, donde había movimientos activos de simpatizantes nazis.19
Durante la producción, el gobierno británico había anunciado que prohibiría su exposición en el Reino Unido, de acuerdo con su política de apaciguamiento con respecto a la Alemania nazi.20 Pero para cuando fue lanzado, el Reino Unido estaba en guerra con Alemania, por lo que el film fue recibido en parte por su obvio valor de propaganda. En 1941, el Prince of Wales Theatre de Londres proyectó su estreno en el Reino Unido. La película había sido prohibida en muchas partes de Europa, y el propietario del teatro, Alfred Esdaile, fue aparentemente multado por mostrarla.3
Cuando fue lanzada en Francia en 1945, se convirtió en la película más popular del año, con admisiones de 8 280 553.
El biógrafo de Chaplin, Jeffrey Vance, concluye su largo examen de esta obra en su libro Chaplin: Genius of the Cinema afirmando su importancia entre las grandes sátiras del cine. Vance escribe: «El gran dictador de Chaplin sobrevive como una integración magistral de la comedia, la política y la sátira. Se trata de la obra más autoconscientemente política de Chaplin y la primera sátira importante del cine».22
Charlot y el barbero judío
No existe un consenso crítico sobre la relación entre el personaje anterior de Chaplin, Charlot (o «El vagabundo») y el barbero judío de la película, pero la tendencia es ver al barbero como una variación del mismo. El director de cine francés François Truffaut señaló más tarde que a principios de la producción, Chaplin dijo que no interpretaría a Charlot en una película sonora, y considera al barbero un personaje completamente diferente. Turner Classic Movies dice que años más tarde, Chaplin reconoció una conexión entre Charlot y el barbero. Específicamente: «Hay un cierto debate sobre si el barbero judío anónimo es considerado como la encarnación final del vagabundo. Aunque sus memorias refieren frecuentemente al barbero como el pequeño vagabundo, Chaplin dijo en 1937 que él no interpretaría al pequeño vagabundo en sus películas sonoras».23 En My Life, Chaplin escribía: «¡Por supuesto! Como Hitler, yo podía arengar a las multitudes todo lo que deseaba, y como el vagabundo, podía permanecer en silencio». En su reseña de la película años después de su lanzamiento, Roger Ebert dice, «Chaplin técnicamente no estaba interpretando al vagabundo». También escribe: «Él [Chaplin] puso al pequeño vagabundo y $ 1.5 millones de su propio dinero en juego para ridiculizar a Hitler».
Los críticos que ven al barbero como diferente incluyen a Stephen Weissman, cuyo libro Chaplin: A Life habla de Chaplin «abandonando la técnica de la pantomima tradicional y su pequeño personaje vagabundo».25 El crítico de DVD Journal Mark Bourne afirma la posición declarada de Chaplin: «Por supuesto, el barbero tiene más que un parecido con el vagabundo, incluso afectando el conocido sombrero bombín y bastón. Pero Chaplin fue claro en que el barbero no es el vagabundo y El gran dictador no es una película del vagabundo».26 The Scarecrow Movie Guide también cita al barbero como diferente.
Annette Insdorf, en su libro Indelible Shadows: Film and the Holocaust (2003), escribe: «Había algo curiosamente apropiado sobre el pequeño vagabundo personificando al dictador, ya que en 1939 Hitler y Chaplin eran quizás los dos hombres más famosos del mundo. El tirano y el vagabundo invierten papeles en El gran dictador, permitiendo que el eterno forastero se dirija a las masas».28 En The 50 Greatest Jewish Movies (1998), Kathryn Bernheimer escribe: «Lo que él escogió decir en El gran dictador, sin embargo, era justo lo que uno podría esperar del vagabundo. Los estudiosos de cine han notado a menudo que el pequeño vagabundo se asemeja a la figura del judío como un marginado, un forastero».29
Varios críticos de finales del siglo XX describen al pequeño vagabundo como convertido en el barbero judío. En Boom and Bust: American Cinema in the 1940s, Thomas Schatz escribe de «El pequeño vagabundo de Chaplin fue transpuesto en un manso barbero judío»,30 mientras que en Hollywood in Crisis: Cinema and American Society, 1929–1939, Colin Shindler escribe, «El pequeño vagabundo universal se transmuta en un barbero específicamente judío cuyo país está a punto de ser absorbido en el imperio totalitario de Adenoid Hynkel».31 Finalmente, en A Distant Technology: Science Fiction Film and the Machine Age, J. P. Telotte escribe que «La pequeña figura del vagabundo está aquí reencarnada como el barbero judío».32
Una discusión de dos páginas sobre la relación entre el barbero y el vagabundo aparece en el libro de Eric L. Flom, Chaplin in the Sound Era: An Analysis of the Seven Talkies. Concluye:
Tal vez la distinción entre los dos personajes sería más clara si Chaplin no hubiera confiado en algún elemento de confusión para atraer a la audiencia a la película. Con el giro de la identidad equivocada de El gran dictador, la similitud entre el barbero y el vagabundo permitió a Chaplin romper con su vieja persona en el sentido de la caracterización, pero capitalizarlo en un sentido visual. La naturaleza similar de las caracterizaciones del vagabundo y el barbero pudo haber sido un esfuerzo de Chaplin para mantener su popularidad entre los espectadores, muchos de los cuales en 1940 nunca habían visto una película muda durante la era del cine mudo. Chaplin puede haber creado un nuevo personaje de uno viejo, pero sin embargo contó con la persona de Charlot para llevar al público a los cines para su primera incursión en el sonido, y su declaración política más audaz hasta la fecha.
La sombra del caudillo es una película mexicana que fue dirigida por Julio Bracho, basada en la novela homónima del escritor Martín Luis Guzmán. Fue filmada en 1960, se exhibió y fue premiada en el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary pero su estreno comercial fue censurado durante treinta años.
La película narra de forma crítica la historia de la sucesión presidencial que ocurrió durante los primeros años posteriores a la Revolución mexicana. Aunque los nombres de los personajes de la vida real fueron cambiados, su identificación en la película es evidente.
Martín Luis Guzmán escribió la novela en 1929. Es una fuerte crítica al caudillismo protagonizado por Álvaro Obregón y Plutarco Elías Calles. El libro fue publicado en Madrid pero fue censurado en México durante algún tiempo.1 Veinticinco años antes de filmar la película, Julio Bracho mostró interés en llevar a las pantallas la novela de Martín Luis Guzmán y comenzó a trabajar en el proyecto, en 1936, adquirió los derechos para la filmación.2Con la ayuda de Jesús Cárdenas, Bracho realizó la adaptación del guion cinematográfico. Tanto Guzmán como Bracho aparecen en la película como ellos mismos en una sección explicativa de la trama.
Filmación, censura y estreno
En 1959, Bracho declaró que creía que los gobernantes, emergidos de una facción de la Revolución mexicana, habían llegado a una madurez suficiente como para aceptar una autocrítica del régimen. Presentó el guion a la Secretaría de Gobernación y éste fue autorizado.4 Del 4 de febrero al 18 de marzo de 1960 la película fue rodada en la Ciudad de México y Toluca. Para el rodaje se contó con la aprobación y apoyo del presidente Adolfo López Mateos y se facilitó la filmación en el interior de la Cámara de Diputados y en el interior del Castillo de Chapultepec.
El 17 de junio de 1960 se exhibió de manera privada en el cine Versalles y pocos días después fue presentada en el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary con la autorización del secretario de Gobernación, Gustavo Díaz Ordaz.7 A pesar de haber sido aclamada en el festival y de promoverse como la “mejor película mexicana de todos los tiempos”, se impidió su estreno comercial en México bajo un argumento emitido por la Secretaría de la Defensa Nacional que manifestaba que "la película denigraba a México y sus instituciones" y que “ofrecía una visión falsa de la historia y del Ejército mexicano”, su estreno comercial se logró hasta 1990.5 Fue el secretario de la Defensa, general Agustín Olachea, quien ejerció la presión suficiente al director general de Cinematografía, Jorge Ferretis, para impedir el estreno y dar marcha atrás a la autorización previa que se tenía dada.8 Una fuerte polémica fue protagonizada por Bracho y Olachea durante todo el año siguiente mediante una guerra de declaraciones en los periódicos de México.9 La Secretaría de la Defensa aclaró que la opinión de Olachea debía ser considerada como la opinión de un ciudadano y no como la postura oficial de la institución, se pidió calma a los periodistas y el secretario de Gobernación, Gustavo Díaz Ordaz, prometió a Bracho que se haría efectiva la autorización para exhibir la película.10 Pero esto no sucedió así, Bracho insistió durante los sexenios presidenciales de Díaz Ordaz y de Luis Echeverría Álvarez sin lograr ver su objetivo realizado, murió en 1978.
Solamente existían seis copias de la película. La primera fue regalada al presidente Adolfo López Mateos quien la entregó a la Universidad Nacional Autónoma de México; la segunda —después de haber sido proyectada en el festival— se quedó en Checoslovaquia, motivo por el cual, se pudo exhibir en Polonia, Bulgaria, la Unión Soviética, Rumania y China. Las otras cuatro copias quedaron bajo resguardo de la Secretaría de Gobernación. Durante el sexenio de José López Portillo se hizo un homenaje póstumo a Julio Bracho en Durango, se planeó exhibir la película pero nuevamente no se autorizó la proyección.11 A finales de la década de 1970 y durante la década de 1980, con la comercialización de las videocintas, comenzaron a circular en México varias copias clandestinas de la película, pero fue hasta el 25 de octubre de 1990, durante el sexenio de Carlos Salinas de Gortari, cuando finalmente se autorizó el estreno comercial de la película, el cual se llevó a cabo en la sala Gabriel Figueroa.
En 2010, durante el marco de las celebraciones del centenario de la Revolución mexicana, la película fue exhibida por el Instituto Nacional de Bellas Artes en la serie “La novela de la revolución” del ciclo Cinema Palacio.
Sinopsis
Hacia finales del año 1924 se encuentra por terminar el período presidencial de “el Caudillo” (identificado como Álvaro Obregón), quien favorece la candidatura de su ministro de gobernación, el general Hilario Jiménez (identificado como Plutarco Elías Calles). El ministro de Guerra, general Ignacio Aguirre (una mezcla de Adolfo de la Huerta y de Francisco R. Serrano), era aspirante a la presidencia, a pesar de sus seguidores lo apoyaban para lanzar su candidatura decide alinearse a los designos del caudillo.
Sin embargo, dos eventos hacen cambiar a Aguirre de opinión: el secuestro del diputado Axkaná González (una especie de alter ego del escritor Martín Luis Guzmán), quien era su amigo, y una fuerte discusión con el general Jiménez. Una vez que ha lanzado su candidatura se entera que será detenido bajo el pretexto de evitar una revuelta civil, escapa y pide ayuda al general Elizondo, a quien considera su partidario. Pero Aguirre es traicionado y asesinado en la carretera a México-Toluca. Este asesinato corresponde en la vida real a la tragedia de Huitzilac, en donde murió Francisco R. Serrano. Fue la alusión a este acontecimiento histórico el motivo principal por el que se impidió el estreno durante treinta años.
Datos técnicos
Aunque Ismael Rodríguez pretendía ser el productor de la película, la Sección de Técnicos y Manuales del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica de la República Mexicana (STPC de la RM) se interesó en el proyecto para financiar, con la ayuda del Banco Nacional Cinematográfica, la producción de la película, su objetivo era construir una clínica médica con las futuras ganancias del film.4 De esta forma fue designado Rogelio González Chávez como productor y representante del sindicato, José Rodríguez Granada fue el coordinador y Ricardo Beltri el jefe de producción. La fotografía estuvo a cargo de Agustín Jiménez quien se auxilió del camarógrafo Felipe L. Mariscal y del alumbrador Gabriel Castro. La edición de la película la realizó Jorge Bustos con la ayuda de Joaquín Ceballos y la edición del sonido Raúl Portillo con el trabajo de Ernesto Caballero, Galdino Samperio y Ramón Moreno.
En las escenografías colaboraron Jorge Fernández, Roberto Silva, Ramón Rodríguez Granada, Jesús Bracho y Salvador Lozano Mena. El vestuario de los actores fue confeccionado por Armando Valdés Peza, Bertha Mendoza López, Julio Chávez y Tostado, y Pedro Chávez. El maquillaje fue coordinado por Sara Mateos y la decoración de escenarios la hizo Ernesto Carrasco. El largometraje editado tiene una duración de 129 minutos.
Reparto
Durante el período de casting, para el papel de “Ignacio Aguirre” se pensó en Arturo de Córdova; para el papel de “Axcaná González” se pensó en Sergio Bustamante, Carlos Fernández, Luis Beristáin, Ernesto Alonso, Carlos Nieto, Ignacio López Tarso y Claudio Brook; para el papel de “Hilario Jiménez” se pensó en Luis Aceves Castañeda y Pedro Armendáriz; para el papel de “la Mora” se pensó en Ana Luisa Peluffo, Yolanda Varela, Rita Macedo y Katy Jurado.13 Mediante la ayuda del Sindicato de Actores ninguno de los actores cobró honorarios. Finalmente, los roles principales fueron:
Tito Junco: Ignacio Aguirre
Tomás Perrín: Axkaná González
Carlos López Moctezuma: Emilio Olivier Fernández
Miguel Ángel Ferriz: Caudillo
Ignacio López Tarso: Hilario Jiménez
Bárbara Gil: Rosario
Jorge Arriaga: Coronel Saldívar
Víctor Manuel Mendoza: General Elizondo
José Elías Moreno: Catarino Ibáñez
Kitty de Hoyos: “La Mora”
Antonio Aguilar: Jáuregui
Roberto Cañedo: Presidente de la Cámara de Diputados
Víctor Junco: General Domínguez, gobernador de Jalisco
Prudencia Griffel: Dueña de burdel
Tito Novaro: Diputado
Agustín Isunza: Remigio Tarabana
Manuel Arvide: General Protasio Leyva
Carlos León: Rosas, asistente de Aguirre
Noé Murayama: Mayor Segura
Arturo Soto Rangel: Director de la Cooperativa
Narciso Busquets: Diputado agrario
Críticas
En 1960, tras haber visto la exhibición privada en el cine Versalles, el escritor José Revueltas opinó que era “la primera gran película realizada por el cine mexicano”. Martín Luis Guzmán escribió una reseña en la columna “Pequeñeces” de Cine Mundial reconociendo la labor de Bracho, en donde el actor Víctor Manuel Mendoza enfatizó que todos los que habían participado en la película habían sido mexicanos.6 Se criticaron algunos anacronismos que se escaparon a la ambientación de la película: unos arbotantes de alumbrado público y unos vehículos militares. Bracho admitió haber cometido estos pequeños errores, declarando que la finalidad de la película no era convertirse en una manifestación artística sino en un artículo periodístico, añadió que no le interesaba el cine artístico sino el cine-vida, el cine-emoción, el cine-razón, el cine-revolucionario.
Tras la presentación en Checoslovaquia la película fue criticada favorablemente por el historiador cinematográfico francés Georges Sadoul.7 A Bracho se le entregó un premio especial por la dirección y a Tito Junco un premio por su actuación.2 Cuando se impidió el estreno en México, el periodista José Alvarado criticó en la revista Siempre! la postura que habían tomado en la Secretaría de la Defensa. El escritor Carlos Pellicer dijo que si bien "era una película tremenda, se trataba de una obra de arte".
Este filme ocupa el lugar 32.° dentro de la lista de las cien mejores películas del cine mexicano, según la opinión de veinticinco críticos y especialistas del cine en México, publicada por la revista Somos en julio de 1994.
Violeta se fue a los cielos (Versión televisiva) es una miniserie producida por Wood Producciones y dirigida por Andrés Wood, esta versión de la película: Violeta se fue a los cielos (2011), es una miniserie que abarca la vida de la cantautora chilena "Violeta Parra". En ella se muestran segmentos no incluidos en la versión cinematográfica.
Producción
Violeta se fue a los cielos recibió un "Fondo CNTV 2011" en la categoría de miniserie histórica para financiar su corte televisivo, Son 160 minutos los cuales se dividen en tres capítulos, Se integran más escenas con sus hermanos Nicanor e Hilda, con su primer marido Luis Cereceda, su hija Carmen Luisa, etc. También incorpora más canciones cantadas por la actriz Francisca Gavilán, como Corazón Maldito, Arauco tiene una pena, La jardinera y La carcelaria.
Reparto
Francisca Gavilán como Violeta Parra
Stephanía Barbagelata como Carmen Luisa
Thomas Durand como Gilbert Favre
Luis Machín como Entrevistador
Vanesa González como Modelo
Jaime McManus como Nicanor Parra
Gabriela Aguilera como Hilda Parra
Jorge López como Ángel Parra
Cristián Quevedo como Nicanor Padre
Roxana Naranjo como Clarisa Sandoval
Sergio Piña como Mario (Cuñado de Violeta)
Pedro Salinas como Don Gabriel
Sonia Vidal como Sra. Lastenia
Orlando Alfaro como Mozo
Andrés Sánchez como Luis Cereceda
Roberto Farías como Luis Arce
Marcial Tagle como Alcalde de la Reina
Capítulos
La miniserie consta de 3 horas aproximadamente en total, las que fueron divididas en tres capítulos que se titulan: Raíces, Amores y Sueños, titulados de esa forma por los contenidos de cada capítulo. El primer capítulo fue exhibido individualmente el día 3 de abril de 2012 en CHV (Estreno), pero los capítulos 2 y 3 fueron exhibidos el mismo día (4 de abril de 2012 en CHV).
Violeta se fue a los cielos es una película del director Andrés Wood estrenada el 11 de agosto de 2011.1 Filmada en Chile, Francia y Argentina, la película narra la vida de la cantautora chilena Violeta Parra. El guion estuvo a cargo de Andrés Wood, Eliseo Altunaga, Guillermo Calderón y Rodrigo Bazaes, con la colaboración de Ángel Parra, hijo de Violeta Parra y también músico de la llamada Nueva Canción Chilena.
El estreno contó con la presencia de seis mil espectadores, siendo presentada en 21 salas a lo largo del país. Fue escogida por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes como representante nacional para las nominaciones a Mejor Película Extranjera de los premios Óscar de Estados Unidos, Ariel de México y Goya de España 2012. El martes 10 de enero del 2012 fue anunciada como una de las 4 nominadas en la categoría de Mejor Película Iberoamericana en los Premios Goya. Además fue ganadora del Gran Premio Internacional del Jurado en el Festival de Sundance 2012.
Argumento
La película, que está basada en la biografía escrita por Ángel Parra, no sigue una línea cronológica directa, y se sitúa en distintos escenarios de la época de Violeta Parra. Se muestra a la niñez de Violeta en alguna parte de Ñuble, los viajes que Violeta realizó al interior del campo chileno, en busca de canciones populares chilenas para evitar que se perdieran, un viaje a un campo minero del sur Chile con una compañía circense, donde cantaba junto a su hermana Hilda, el viaje de Violeta a la Polonia comunista, su estadía en Francia y la exposición de sus trabajos visuales en el Museo del Louvre, su regreso a Chile y la construcción de la carpa de la Reina, y toda la película entrelazada por fragmentos de una entrevista televisada que Violeta realizó en Argentina en el año 1962.4
La vida amorosa de la artista también es un tema fundamental a lo largo de la historia, pero sólo está enfocada al romance que mantuvo con el suizo Gilbert Favre, remitiendo a sus otras parejas a un rol secundario. En lo referente a sus hijos, en el primer lapso de la película su hijo Ángel tiene un rol marcado, para después la atención ser tomada por su hija Carmen Luisa.
Elenco
Francisca Gavilán, como Violeta Parra.
Cristián Quevedo, como Nicanor Parra (Padre).
Patricio Ossa, como Ángel Parra (Niño).
Jorge López Astorga, como Ángel Parra (Joven).
Thomas Durand, como Gilbert Favre.
Stephania Barbagelata, como Carmen Luisa Arce.
Roberto Farías, como Luis Arce.
Gabriela Aguilera, como Hilda Parra.
Marcial Tagle, como Fernando Castillo Velasco (Alcalde).
Luis Machín, como Periodista entrevistador.
Francisca Durán, como Violeta Parra (Pequeña).
Giselle Morales, como Violeta Parra (Niña).
Roxana Naranjo, como Clarisa Sandoval.
Sonia Vidal, como Señora Lastenia.
Ana Fuentes, como Rosa Lorca.
Juan Quezada, como Don Guillermo.
Sergio Piña, como Marío Céspedes.
Pablo Costabal, como Director de la Radio.
Juan Alfaro, como Guitarrista.
Pedro Salinas como Don Gabriel Soto.
Daniel Antivilo, como Señor Meyer.
Eduardo Burlé, como Anfitrión.
Banda sonora
Francisca Gavilán, protagonista de la película que interpreta a Violeta.
Francisca Gavilán interpretó ella misma todos los temas que originalmente son cantados por Violeta Parra. También la película muestra temas interpretados en conjunto con su hermana Hilda, y por la hija de ésta, Carmen Luisa. También se incluye un tema interpretado por un campesino. Previo al estreno de la película, el 28 de julio de 2011, la banda sonora completa fue publicada en SoundCloud.6 Algunos temas que aparecieron en la película no fueron incluidos en la banda sonora, como el son «El cardenal», «Gracias a la vida» y «La jardinera».
«¿Qué edad tiene?»
«Gavilán» (Instrumental)
«Parabienes»
«Qué pena siente el alma»
«El Palomo»
«Arriba quemando el sol»
«¿Usted es comunista?»
«Dejo botá mi nación»
«Jardines humanos»
«Canción del angelito»
«Rin del angelito»
«¿Qué pasa si nos encontramos?»
«El joven Sergio»
«Volver a los 17»
«Eso no se avisa»
«Run run se fue pa'l norte»
«Te fuiste chinito»
«Maldigo del alto cielo»
«La creación»
«El gavilán»
«La vida es más grande»
«Violeta se fue a los cielos»
Estreno
La película fue estrenada en Chile el 11 de agosto de 2011 en 21 salas de cine. En su primer día tuvo aproximadamente seis mil espectadores.1 La cinta fue vista por 391.465 espectadores en 2011, convirtiéndose en la película chilena más vista de aquel año.7
La película no tuvo la confianza de los exhibidores durante su estreno, quienes sólo asignaron 17 salas para su exhibición, y no cubrieron las principales ciudades del país; sin embargo el éxito de la película en cantidad de público les obligó a aumentar la cantidad de copias, hecho que fue destacado por la prensa.
Crítica cinematográfica
La película obtuvo una buena respuesta por parte de la crítica cinematográfica. Daniel Villalobos del diario La Tercera destacó la forma en que Violeta Parra es representada en la cinta, y sostuvo que «esta bien puede ser la película más vistosa y ágil que haya estrenado su director».10 René Naranjo, por su parte, se centró en la actuación de Francisca Gavilán, refiriéndose a su interpretación como «sobresaliente y emotiva, una Violeta llena de matices que da unidad al conjunto y aporte luces sobre una personalidad de marcados contrastes».11 Ana Josefa Silva de La Segunda escribió que «lo que queda al final es una historia pletórica de verdad, de pasión, de alegrías y dolores profundos. Intensamente vital y sobrecogedora».
La película fue presentada también en Toulouse durante el festival de cine latinoamericano francés, ganando el premio otorgado por el público como mejor película.
Rebelión en la granja (en inglés, Animal Farm) es una novela satírica del escritor británico George Orwell. Publicada en 1945, la obra es una fábula mordaz sobre cómo el régimen soviético de Iósif Stalin corrompe el socialismo. En la ficción de la novela un grupo de animales de una granja expulsa a los humanos tiranos y crea un sistema de gobierno propio que acaba convirtiéndose en otra tiranía brutal. Orwell, un socialista democrático y durante muchos años un miembro del Partido Laborista Independiente, fue un crítico de Stalin. La novela fue escrita durante la Segunda Guerra Mundial y, aunque publicada en 1945, no comenzó a ser conocida por el público hasta finales de los años 1950.
Además, la obra constituye un análisis de la corrupción que puede surgir tras toda adquisición de poder, en cualquier nivel. Así, el texto posee un posible doble nivel de interpretación, por lo que su mensaje puede trascender el caso particular del régimen soviético y ser captado incluso por niños que ni siquiera conocen la historia de la Unión Soviética. Por esta razón el libro ha sido utilizado a menudo como herramienta educativa incluso en los primeros años de la escolaridad de algunos países. Está considerada una de las más demoledoras fábulas acerca de la condición humana.
Lejos de la intención de Orwell, que pretendía con esta alegoría, al igual que con su siguiente novela, 1984, publicada en 1949, denunciar a los totalitarismos nazi y soviético,1 el libro fue utilizado, sobre todo en los Estados Unidos, como propaganda en contra del comunismo en general.
Argumento
Los animales de la Granja Señorial, alentados un día por el Viejo Mayor, un cerdo que antes de morir les explicó a todos sus ideas, llevan a cabo una revolución en la que consiguen expulsar al granjero Howard Jones y crear sus propias reglas (los Siete Mandamientos), que escriben en una pared:
1-Todo lo que camina sobre dos pies es un enemigo.
2-Todo lo que camina sobre cuatro patas, o tenga alas, es amigo.
3-Ningún animal usará ropa.
4-Ningún animal dormirá en una cama.
5-Ningún animal beberá alcohol.
6-Ningún animal matará a otro animal.
7-Todos los animales son iguales
Al principio, la granja, (que pasa a llamarse Granja Animal) es más próspera incluso que cuando el señor Jones la administraba. Los cerdos se erigen como líderes por su inteligencia. Dos de ellos, Snowball y Napoleón, los máximos dirigentes, empiezan a tener discrepancias que acaban cuando Napoleón lanza a los perros contra Snowball y este huye de la granja.
A partir de ese momento Napoleón se erige como único líder. Los cerdos se constituyen como una élite dentro de la Granja, y los demás animales se mantienen bajo la dictadura de Napoleón, amenazados por los perros de éste. Poco a poco los cerdos adoptan los defectos propios del hombre, que en su día sustentaron la revolución. A lo largo de la novela, se efectúan ciertos cambios en los Siete Mandamientos que legitiman las acciones de Napoleón y los cerdos:
Ningún animal dormirá en una cama con sábanas
Ningún animal beberá alcohol en exceso
Ningún animal matará a otro animal sin motivo
Sucesivamente, todos los Siete Mandamientos van desapareciendo por orden de Napoleón, y con la complicidad de los demás cerdos.
Finalmente, los cerdos modifican también sus conductas, empiezan a usar las ropas abandonadas por el señor Jones y aprenden a caminar solo sobre sus patas traseras (modificando para ello el primero de los Siete Mandamientos). Después de que un ataque llevado a cabo por los humanos fuese repelido por los perros, los granjeros de los campos vecinos deciden mantener relaciones amistosas con los animales de la Granja Manor, felicitando a Napoleón por el éxito económico de la granja: los animales dirigidos por Napoleón trabajan en larguísimas jornadas, alcanzan elevados niveles de productividad, se contentan con raciones minúsculas de comida, y jamás se quejan ante los cerdos. Halagado, Napoleón y los cerdos invitan a los humanos a almorzar en la granja Manor; los animales de allí, sorprendidos, advierten que sus compañeros cerdos han copiado totalmente la conducta y aspecto de los humanos.
Al final de la novela, la dictadura de Napoleón y sus seguidores se consagra de modo absoluto cuando los animales preguntan al burro Benjamín (uno de los pocos que sabe leer) sobre cuál es el único mandamiento que queda escrito. Este es el séptimo, convenientemente modificado por los cerdos:
Todos los animales son iguales, pero algunos animales son más iguales que otros.
Significado
Orwell satiriza el régimen zarista, con el señor Jones y la monarquía asimilados con los humanos, y posteriormente ironiza la revolución rusa hasta el periodo del estalinismo.
— El cerdo Mayor (Manor), representa en parte a Lenin pues él se pregunta sobre la situación de su país, crea una doctrina propia y además es el ideólogo de la revolución, él es el idealista; también apunta hacia Karl Marx al ser el impulsor de la filosofía anti-capitalista (anti-humana, alegóricamente) y por fallecer antes de que ocurriese la rebelión.
— El señor Jones sería el zar Nicolás II de Rusia, aunque su figura es más amplia y abarque a toda la realeza, la nobleza y la burguesía, que fueron las clases derrocadas por la Revolución Rusa.
— El cerdo Napoleón, con las medidas de administración apropiadas de Snowball para estimular la producción de la granja y con la política de restricción de libertades, representa a Iósif Stalin. Otro punto que refuerza esta teoría, es el hecho de que Napoleón ordenase el exilio de Bola de Nieve (Trotsky). En la primera edición francesa se nombró a este cerdo como "Julio César".
— El cerdo Snowball (Bola de Nieve) sería Lev Trotsky, líder militar que posteriormente huye de la granja al ser perseguido por los perros de Napoleón. Una vez establecido el poder de Napoleón, su sola mención constituye un delito grave y todo animal que se considere peligroso será ejecutado bajo la acusación de ser seguidor de Bola de Nieve.
— El cerdo Squealer (Chillón) es el intermediario de Napoleón ante los demás animales de la granja. Su habilidad retórica y su hipocresía le permiten convencer al resto de la granja de la conveniencia de cualquier decisión tomada por Napoleón. Posiblemente represente al aparato de propaganda de la URSS: el periódico Pravda, o a Viacheslav Mólotov (ferviente partidario de Stalin).
— Bóxer (Boxeador o Campeón), el caballo, siempre convencido de trabajar más y traicionado por Napoleón a pesar de ello, representaría al proletariado. Su lema "Trabajaré más duro" y los constantes elogios que recibe de los cerdos por su denodado esfuerzo y su sumisión sean probablemente una referencia al minero Alekséi Stajánov.
— Las ovejas y las gallinas, analfabetas y acríticas con el régimen, personifican al campesinado, o bien, a los "fanáticos" de un líder. Para ellos y los animales menos inteligentes se ingeniaron consignas sencillas, como "Cuatro patas sí, dos pies no", que solían repetir todo el día.
— El cuervo Moses (Moisés) representa a la Iglesia ortodoxa, pues habla del cielo de los animales y recibe trato favorable de los humanos ya que cumple una labor de apaciguamiento al servicio del señor Jones. Más adelante, los cerdos toleran su presencia. Las relaciones entre el cuervo y la granja representan la afinidad entre el clericato ruso y los distintos gobiernos de Rusia, primero bajo los zares, y luego bajo el estalinismo.
— El burro Benjamín es el intelectual que especula.
— Los perros representan la policía secreta stalinista, la NKVD. La nueva generación de perros es educada por Napoleón desde cachorros. Son los encargados de expulsar violentamente a Snowball de la granja, y cumplen también la función de guardia personal y de verdugo para los animales que "traicionan" a la granja en nombre de Snowball.
— El Señor Fedrerick, que durante la fábula pretende una alianza con el cerdo Napoléon, representa a Adolf Hitler, quien firmó un pacto de no agresión con el régimen estalinista de la URSS.
— La yegua Mollie, que apenas se interesa por la revolución animal y aún menos por trabajar, representa a las clases nobles zaristas que ven en la nueva política comunal el fin de sus privilegios. Prueba de ello la tenemos cuando Mollie, una vez que descubren que ha confraternizado con un mozo de una granja vecina, abandona la granja para servir de nuevo a los humanos.
— El señor Pilkington se puede identificar con Winston Churchill. Al final de la historia se muestra su "alianza" con Napoleón, reuniendo a humanos y cerdos en una partida de naipes. La partida termina con una fuerte discusión, dado que Napoleón y Pilkington destapan un as de espadas simultáneamente (señal inequívova de que alguien está haciendo trampas). Este hecho evoca la inestabilidad de la supuesta alianza entre la URSS e Inglaterra.
Orwell también muestra de una manera muy cruda la relación entre animales y seres humanos, dándole a los primeros una personalidad y poniéndolos al mismo nivel intelectual y racional que el hombre, para así representar la brutalidad que sufren en la Granja.
Rebelión en la granja como alegoría
El término alegoría se refiere a una ficción que representa otra situación, una idea o conjunto de ideas abstractas que aparecen a través de otra forma u otro sentido. Este término se encuentra íntimamente ligado al concepto de metáfora. De esta forma, Rebelión en la granja se muestra como una alegoría a partir de personajes animales que van cambiando su forma de ser, y que representan a los humanos y sus cambios con respecto al poder. Alrededor del tema del poder (poderosos y oprimidos) van cambiando sus ideales comunes y puros por ideas individualistas y tiránicas. Una alusión clara del poder y su influencia en los seres humanos.
Las películas
La película de dibujos animados Rebelión en la granja, dirigida por Joy Batchelor y John Halas (1954), aunque fiel al relato original del libro, cambia el final. La película termina en una rebelión en contra de los cerdos -y principalmente en contra de Napoleón- por parte de todos los demás animales, A pesar de eso, en una imagen particularmente especial se ve la rebelión comandada por el burro Benjamín, por lo que se puede deducir que lo mismo que ocurrió con los cerdos ocurrirá con cualquier otro animal mientras alguna raza en particular gobierne.
La otra película con el mismo título, de 1999, dirigida por John Stephenson utilizó animales reales. En esta, el final también es diferente al del libro, y evidentemente está influido por el derrumbe de la URSS. Se puede ver la decadencia del régimen porcino, y el regreso del hombre a la granja.
En la radio
La BBC emitió en el año de 1974 un especial de radio producida por Rayner Heppenstall3 y fue escuchado por el mismo Orwell en su casa de Canonbury Square, en Londres que quedo totalmente impactado e impresionado por la dramatización que le pusieron a la narración y el ambiente. Por desgracia la grabación original se deterioro por el tiempo y no existe otra copia
En enero el año de 2013, se emitió una vez más el drama de forma remasterizada usando la misma dramatización que se uso en la emisión de los 70's, este fue transmitido por BBC Radio 4 y esta compuesto por actores completamente nuevos para el espectáculo, como a Tamnsin Greig como la narradora de la historia, Nicky Henson como Napoleon, Toby Jones como Squealer y Ralph Inseson como Bóxer.
Cómics
Poco después del estreno de Farm Animal (1954), Norman Pett y su compañero de escritura Don Freeman (Los principales artistas de la película animada) fueron contratados por el Ministerio Británico de Asuntos Exteriores para adaptar una vez mas obra de Orwell en un cómic. Este cómic no fue publicado en el Inglaterra, pero se publicó en los periódicos brasileños y birmanos.5
Videojuego
En agosto del año pasado 2017 se anuncio que Farm Animal sería adaptado al mundo de los videojuegos, autorizada totalmente por la familia de George Orwell6, el juego sera del tipo Adventure-Tycoon y además de ser independiente esta desarrollado por veteranos programadores y animadores de las consolas de nueva generación, el equipo esta compuesto por Jessica Curry (Everybody's Gone to the Rapture), Georg Backer (Saga de Fable), Kate Saxon (Mafia II), Andy Payne y Imre Jele a diferencia de otros juegos del género Adventure-Tycoon, tu serás parte de la granja y tendrás que tomar decisiones que influirán en el futuro de la granja por tus acciones7, se espera que el juego sea para PC y dispositivos Android.8
En otras lenguas
El título original en inglés del libro es Animal Farm, pero la obra fue traducida de modo no literal a las diversas lenguas europeas. Se ajustaron al original la edición alemana: Farm der Tiere, francesa: La ferme des animaux, neerlandesa: Dierenboerderij, rumana: Ferma animalelor e italiana: La fattoria degli animali. Los traductores nórdicos se centraron en el personaje de Napoleón (danés: Kammerat Napoleon, noruego: Kamerat Napoleon; pero en sueco Djurfarmen: animal farm, en finés Eläinten vallankumous: rebelión de los animales). Por último, el libro tuvo nombres diferentes en los dos principales países de habla portuguesa; O Triunfo dos Porcos en Portugal y A Revolução dos Bichos en el Brasil. En euskera, el título es Abereen Etxaldea. En catalán ha sido traducido como La revolta dels animals y La rebel·lió dels animals. En gallego su título es A Revolta dos animais o A granxa dos animais. En aragonés, el título es Rebelión en torre animal. La traducción en español es Rebelión en la granja o Granja de los animales. También algunos nombres han sido adaptados en la versión española, mientras en otros sectores se han mantenido igual creando confusiones (por ejemplo, el caballo Bóxer es en algunas ediciones nombrado como Bóxer y en otras como Campeón).
Referencias en la cultura popular
El disco de Pink Floyd, Animals (1977), está inspirado en esta novela escrita por George Orwell, especialmente las tres canciones centrales, de más de diez minutos de duración, llamadas «Dogs», «Pigs (Three Different Ones)» y «Sheep».
El señor de las moscas (Lord of the Flies en inglés) es la primera y más célebre novela de William Golding. Publicada en 1954, se considera un clásico de la literatura inglesa de postguerra. Tuvo apenas difusión en el año de su publicación, manteniendo un volumen escaso de ventas. Años más tarde, alcanzó una gran fama en Inglaterra, considerándose imprescindible su lectura en colegios e institutos. El título alude a la maldad humana, representada por Belcebú, deidad filistea y posteriormente también perteneciente a la iconografía cristiana, que es conocido por este sobrenombre de Señor de las Moscas.
Sinopsis
Un avión que transporta estudiantes británicos, cae a tierra estrellándose contra una isla inhabitada. Los únicos supervivientes del accidente son algunos niños, quienes se ven obligados a sobrevivir habiendo fallecido todos los adultos.
Ralph y Piggy, dos de los chicos mayores, encuentran una caracola que hacen sonar para reunir al resto de los supervivientes. Desde ese momento, la caracola será utilizada como símbolo de autoridad y derecho a la palabra, además de ser empleada para convocar a todos a una asamblea cuando la situación lo requiera. Ralph es elegido democráticamente como líder del grupo, pese a que Jack, otro de los chicos más fuertes, deseaba ser el jefe. Para contentarlo, Ralph lo deja a cargo del grupo de cazadores. El líder, decide que es necesario encender una hoguera, de manera que puedan generar una señal constante de humo y así ser rescatados por algún navío que la viese. Para encender el fuego, utilizan las gafas de Piggy aprovechando los rayos del sol. Desde aquel momento, Ralph insistirá durante toda la estadía en la isla que abandonar la hoguera, sería renunciar a la idea de ser rescatados y entregarse a la vida como salvajes, razón por la cual se designan encargados de vigilar que la hoguera no se apague en ningún momento.
Con el paso del tiempo, algunos de los chicos emprenden conductas violentas e irracionales. Jack es el primero de ellos, que al no haber sido electo como jefe del grupo, siente una rivalidad y odio hacia Ralph, disfrutando al mismo tiempo de insultar a Piggy. Se queja de la importancia que le dan a la hoguera y a la caracola, mientras él y su grupo están cada vez más obsesionados con la idea de cazar un jabalí, acción que finalmente llevan a cabo.
Progresivamente, el miedo se hace más patente a medida que aumentan los rumores de una bestia que habita en la isla. Aunque ninguno de los chicos mayores cree que esto sea posible, la idea los aterra igualmente. Una noche mientras los mellizos Sam y Eric cuidan la hoguera, ven una criatura desconocida, haciéndoles correr de miedo. Los demás deciden ir a investigar armados con lanzas, dejando a los "peques" al cuidado de Piggy. El grupo liderado intermitentemente por Ralph y Jack recorre la isla durante todo el día. A medida que oscurece y la rivalidad entre ambos aumenta, la mayoría decide retirarse y volver con los otros, solamente Ralph, Jack y Roger, llegan a la montaña, donde entre penumbras, logran ver la Bestia, momento en el que salen corriendo despavoridos. Luego, cuando discuten lo sucedido, Ralph expresa que los cazadores son incapaces de luchar contra La Bestia, ya que en el fondo son solo niños armados con palos. Jack se enfurece por el comentario y convoca una asamblea. En dicha reunión, acusa a Ralph de no haberse enfrentado a la bestia, lo denuncia por llamar a sus cazadores unos inútiles y se queja porque Ralph no sabe cazar, solo dar órdenes. Animado por la situación, pregunta enérgico quien cree que Ralph debería dejar de ser el líder, sin embargo nadie levanta la mano. Humillado, abandona el grupo. Más tarde sus cazadores se reúnen con él y atrapan otro jabalí, al cual le cortan la cabeza y la dejan en una estaca como ofrenda a La Bestia.
Simón, un niño tímido que de vez en cuando ayuda a Ralph y a Piggy, catalogado de raro por los demás por sufrir desmayos frecuentes, decide adentrarse solo en el bosque, dirigiéndose hacia un claro donde logra calmar sus ataques. En el lugar encuentra la cabeza de jabalí clavada a la estaca, la que se encontraba en evidente estado de descomposición, chorreante de sangre y cubierta de moscas. Aterrorizado, Simón sufre una alucinación en la que ésta le habla y se identifica como El Señor de las Moscas, mientras se burla de él y de los demás por creer que La Bestia es una criatura que se puede cazar, asegurando que la fiera está en todos lados. cuestión que puede interpretarse como una alusión a la maldad humana. En la escena, se da a entender que Simón ya lo sabía desde antes, puesto que durante una asamblea trató de expresarle al grupo que la bestia eran ellos mismos, pero se rieron de él. Simón se desmaya y al despertar camina hasta la montaña, donde los chicos habían visto a la que creían era La Bestia. Pero con la luz del día, Simón se percata de que solo es el cadáver de un paracaidista que se levanta con el viento. A pesar de estar exhausto decide ir a contárselo a todos.
Mientras tanto, Jack y su grupo se presentan a los demás con máscaras y los cuerpos pintados como salvajes, los invitan a comer de su jabalí y a que consideren unirse a su tribu. De a poco, casi todo el grupo se va con ellos y celebran una fiesta cantando y comiendo, Ralph, Piggy y los mellizos son los últimos en llegar. Jack, a quien los demás llaman "Jefe", les pregunta quien formará parte de su tribu, lo que genera una discusión con Ralph que termina cuando empieza a llover. En aquel momento, todos comienzan una frenética danza en la que simulan cazar a un jabalí, a la mitad de ésta Simón sale arrastrándose del bosque, el grupo, confundido por la oscuridad de la noche, señala a Simón como La Bestia y en un espiral de cánticos y locura, lo golpean dándole muerte.
Al día siguiente, la división del grupo original era evidente, Sam, Eric, Piggy y algunos “peques” son los únicos que siguen del lado de Ralph, los demás se han unido a la tribu de Jack o se han esparcido por el resto de la isla. Mientras los primeros se sienten culpables, tratando de desentenderse o excusarse por la muerte de Simón y seguir alimentando la hoguera, la cual es su última esperanza, los de la tribu se engañan a sí mismos diciendo que la criatura que atacaron solo se trataba de La Bestia disfrazada. Durante esa noche el grupo de Ralph es atacado por los otros, quienes los golpean y roban las gafas de Piggy para encender su propio fuego. Ralph es derrotado debido a que Eric le confunde con uno de los atacantes y le deja fuera de juego dándole un rodillazo en los testículos.
Los chicos, sin la posibilidad de prender un nuevo fuego y con Piggy incapaz de ver, deciden ir a hablar con los otros y tratar de razonar con ellos, así que atraviesan la isla portando la caracola hasta un peñón que Jack y los demás emplean a modo de fuerte. Ralph discute con Jack quien toma a Sam y Eric como prisioneros, Piggy, enojado, alza la caracola y se hace escuchar a pesar de las burlas, tratando de ocupar la razón, pero a la mitad de su discurso, Roger deja caer una gran piedra que golpea a Piggy, haciendo pedazos la caracola y empujándolo por el acantilado, quien al caer muere. Luego atacan a Ralph con sus lanzas, que alcanza a huir y esconderse. Cuando se oscurece, Ralph se acerca al peñón y ve que Eric y Sam, pintados y con máscaras hacen guardia afuera, ellos le dicen que los torturaron y que tiene que huir, porque a la mañana planean cazarlo al igual que un jabalí.
Al día siguiente, tal y como Eric y Sam dijeron, la tribu de niños pintados comienza a perseguir a Ralph, mientras queman el bosque a su paso para hacerlo salir. Ralph, armado con una lanza pero agotado física y mentalmente encuentra un escondite, siendo descubierto por uno de los otros. Ralph corre desesperado, escapando de los cazadores y del fuego que poco a poco consume toda la isla. cuando llega a la playa, se arroja al suelo y levanta los brazos, preparado para pedir clemencia, pero se encuentra con un oficial de la marina. A los pocos segundos llegan los demás chicos quienes observan al hombre asombrados y de inmediato abandonan la intención de cazar a Ralph. El oficial declara que arribó atraído por el humo, continuando con una serie de preguntas a Ralph, quien se identifica como líder. Ante esto, Jack se adelanta, pero finalmente decide no intervenir. Ralph le informa de las muertes y explica que al principio estaba todo bien, en orden y unidos. Sin poder continuar, se le corta la voz y se echa a llorar por la muerte de sus amigos y la pérdida de la inocencia propia de la niñez, Los demás, se le unen sollozando. El oficial los observa conmovido, incómodo, vuelve la vista hacia el barco en el mar. En ese momento las caras expresivas de los niños reflejan la caída de su pequeño mundo, en el que no había consecuencias algunas por sus acciones, humanas
Personajes de la novela
Ralph: Héroe de la novela y líder electo de los náufragos. A pesar de que es el líder, siempre le pide ayuda a Piggy. Al inicio sugiere hacer una hoguera para hacer una señal y puedan rescatarlos, pero se descuida con el tiempo. Esto representa los efectos débiles de la corrupción para las acciones buenas. Ralph quiere lo mejor para todos pero se le olvida con frecuencia por lo que Piggy lo ayuda. Es demasiado educado y usa la lógica incluso en los peores momentos, como cuando se enteran de la bestia. Ralph representa la democracia, aunque finalmente todo sale en su contra y es casi asesinado por Jack hasta que los rescata el general.
Jack: Celoso del poder de Ralph, quiere que los demás hagan lo que él dice. Es muy delgado, pelirrojo, es muy arrogante, pesimista y consentido. Si bien en principio no es violento, sus actitudes van cambiando, al expresar su deseo por matar un cerdo y abandonar la hoguera. Se podría afirmar que Jack representa la dictadura y la irracionalidad. Su ansia de poder le lleva a exiliarse del grupo de Ralph y formar su propia tribu, en la que él es el jefe absoluto y gobierna como un dictador. Se vuelve muy violento y usa el argumento de la fuerza física para atraer a los chicos a que se unan a su grupo (como cuando ordena a Roger que torture a Sam y a Eric). Todo termina cuando Jack y sus salvajes se disponen a quemar la isla para matar a Ralph pero llega un oficial de la marina en el último minuto. Cuando Ralph asegura que él es el jefe, Jack vacila por un instante pero reconoce a Ralph como el jefe indirectamente. Finalmente él llora con los demás al ser rescatado.
Piggy: Formaba parte del grupo de Ralph. Es objeto de burla por su tamaño y peso corporal. Es muy gordo, usa lentes y padece asma. Nunca se sabe su verdadero nombre, pero a veces le llaman "capitán de la grasa". Representa la voz de la razón. Su identificación con la civilización se muestra cuando no descuida su aspecto a diferencia de los demás y su negación a la bestia. A pesar de ser más inteligente que Jack y Ralph es discriminado y burlado por su gordura, su asma y sus gafas. Esto empeora cuando Jack roba las gafas de Piggy y lo deja sin ver. Hace un último esfuerzo porque Jack y su grupo sean racionales y en el intento es asesinado por Roger, quien le deja caer una gran roca. Con su muerte y la destrucción de la Caracola, la racionalidad y civilización desaparecen.
Simón: Otro niño del coro. Es algo bajito, moreno, de ojos grandes y padece epilepsia. Es un niño muy amable. Disfruta la isla e incluso encuentra un lugar donde estar con los animales y plantas. Es muy tímido, pero como diría Piggy: siempre se puede contar con él. Es tildado de raro, pero encuentra apoyo en Ralph a quien considera su único amigo. Es quien descubre al Señor de las Moscas, una cabeza de cerdo dejada por los cazadores, que lo amenaza durante una alucinación y le dice que la verdadera bestia no se puede cazar ni matar, dando a entender que se refería a la maldad humana, cosa que Simón ya sabía y había tratado de plantear. Después, descubre que la criatura que pensaban era la bestia es un cadáver de un paracaidista. Desesperado va a decírselo a los demás pero es confundido con la bestia y asesinado horriblemente. A pesar de todo, se revela que él sabía que moriría. Se ha apuntado la posibilidad de que el personaje sea una referencia a Jesucristo.
Roger: Al igual que Simón y Jack, pertenece al coro. Un niño muy calmado que no habla mucho. Es moreno, alto y con la mirada perdida. Si bien al principio se siente triste y desesperado cuando falla la primera hoguera, al final termina convirtiéndose en la mano derecha de Jack y su segundo al mando. Cuando junto a Maurice destruye el castillo de arena que tres de los "peques" (Johnny, Henry y Percival) estaban construyendo, al principio se siente tan culpable como Maurice, pero luego se da cuenta que allí no hay adultos que puedan reñirle y que puede dar rienda suelta a su violencia. Así lo hace cuando, una vez incluido en el grupo de Jack, se abandona a sus instintos animales y tortura a varios niños e incluso mata a Piggy aplastándolo con una roca sin mostrar remordimientos. Sin embargo, llora con los demás cuando son rescatados. Representa el sadismo.
Análisis y antecedentes
A lo largo de toda la novela Golding explora dos temas en particular: la civilización contra la barbarie y la pérdida de la inocencia infantil. Al ser una alegoría de la naturaleza humana, cada personaje representa diferentes aspectos de las personas. Ralph, el orden y la civilización. Piggy, la razón y cordura de la sociedad. Jack, el deseo de poder y la maldad. Roger, la crueldad y el sadismo en su mayor escala. Simón, la bondad natural del hombre.
La novela tiene una marcada influencia de La Isla de Coral (1857) de Robert Michael Ballantyne. Golding resalta esa influencia al llamar a sus dos protagonistas igual que dos de los personajes principales de la novela de Ballantyne, Ralph y Jack. También tiene un claro antecedente en Dos años de vacaciones (1888), una de las novelas menos conocidas de Julio Verne. El tema es completamente análogo y plantea los conflictos por el poder entre niños perdidos en una isla sin adultos.
También es posible identificar en el texto una representación de las tendencias democrática y autoritaria si analizamos las figuras de los dos líderes. Ralph representa el líder democrático que, bajo el símbolo de la caracola, llama a organizarse al grupo en torno al uso de la palabra. Jack representa al líder autoritario, cuyo poder se basa en la organización marcial, la superioridad física, la superstición y el miedo.
Tiempo histórico
A partir del relato se puede deducir que la historia comienza entre el 6 y el 9 de agosto de 1945, ya que se habla del lanzamiento de la bomba atómica. Los personajes saben que la bomba de Hiroshima ha sido lanzada, pero no tienen conocimiento alguno sobre la de Nagasaki.
Influencia
El manga japonés Cage of Eden del autor Yamada Keiyou, está inspirado en esta obra. La serie de televisión Lost hace referencias en la primera temporada, tanto al libro como a algunas circunstancias tomadas del libro. La serie animada Los Simpson hace referencia al libro en dos ocasiones: en el episodio Kamp Krusty, donde puede verse una cabeza de jabalí clavada en una pica con moscas a su alrededor; y en Das Bus, cuya trama está inspirada en este libro (un grupo de niños que terminan en una isla desierta).
La novela El corredor del laberinto comparte también características similares (un grupo de chicos que están encerrados en un laberinto), aunque en este caso deben cooperar para salir.
El grupo inglés Iron Maiden compuso una canción inspirada en la novela, llamada "Lord of the Flies", incluida en su disco The X Factor. En el videojuego Metal Gear Solid V: The Phantom Pain, se puede ver un claro guiño a esta novela en la misión "La Mamba Blanca", donde tenemos que tomar prisionero a Eli, un joven que ha tomado el control de un pequeño poblado abandonado en África central convirtiéndose en el jefe de un grupo de niños soldado.
Aparece en un episodio de Two and a Half Men, siendo el libro a leer por Jake y generando conflicto con su padre por su desinterés.
